中国传统绘画艺术是“线的艺术”。在中国传统绘画艺术中，线条不仅是其最为重要的表现手段之一，而且有着极为特殊而又重要的意义。“以线存形”是中国画艺术最大、最突出的形式特征。因此，在中国画的创作过程中，以线条作为造型的基础，用线条的穿插概括自然形象，进而表达情感思想是传神写照的主要载体。在中国画论中，宋代郭若虚在其《图画见闻志》中提出的“曹衣出水，吴带当风”是用于人物画中衣服褶纹刻画的两个非常重要的表现手法，同时也是形容画家将线条的运用达到了一种挥洒自如的至高境界。而现代平面设计在线条元素上的运用与中国画有着异曲同工之处，都是采用最传统的造型技法和艺术表现形式，展现了人们对艺术美的追求。在中国画中，线条时而跳跃交错，时而曲折波动，它既是画家在创作过程中心态与意趣微妙变化的深刻体现，是直接有效表达画家的思想情感与精神世界，同时也是画家与观众在心灵之间架起一道桥梁。在现代平面设计中，线条是从艺术中抽象出来的，尽管它依然包含了设计者在设计时所流露出的情感，但设计中的线条更多的是独立的、理性的，更倾向于“象征”形式，能够代表情绪和较具表现力的视觉元素。设计中线条的曲直虚实构成了变幻莫测的图形世界，它在人的心里留下的是一种与其形式相契合的形式美感印象。将绘画中的线条融入到设计中，可以丰富设计的表现形式，我们将传统中国画的线融入到平面设计作品中，更能丰富作品的思想内涵。当代著名设计师陈绍华先生在其代表作品2008北京申奥标志设计中，以传统中国画线条为表现手段，与奥运五环的色彩相结合，很好地体现了中国画艺术的张力。尽管作品中只有中国画线条这一种表现元素，却充分展现了体育运动蓬勃向上的活力。除此之外，线条的蜿蜒穿插似传统的中国结，又似太极拳的动态形象，通过线条的舒展传递出“中国结”和“太极拳”两个意象，将中国画的线条艺术与奥林匹克体育精神完美融合。
构图布局在绘画作品中有着极为重要的地位，早在一千多年前，南齐谢赫在著作《画品》中提出“六法”的绘画理论体系，其中“经营位置”对构图布局进行了详细论述。宋代著名画家马远与夏圭在构图布局上独树一帜，有“马一角，夏半边”之称。清代绘画理论著作《画筌》提出:“无画处皆成妙境”，呈现出一种淡然、飘逸而又圣洁的艺术境界。这决定了中国画与西方绘画在构图布局上的差异性，西方绘画采用焦点透视，相对较为理性，符合人的视觉真实，讲究科学性，而中国画采用的是散点透视，画家打破了空间的局限，从多个角度对客观景物进行描绘，在构图布局上追求与营造画面的形式美感，表现一种以神逸、气韵、意境为美学原则的意象世界。因此，中国画的构图灵活，可以充分地表现空间跨度比较大的景物，追求画面上点、线、面所形成的节奏与韵律感。现代平面设计对中国画构图布局的借鉴表现出了极强的继承、发展与创新的趋势，二者本质都是充分调动画面中各种元素对画面进行整体美的构造，进而产生自然美、形式美、精神美与功能美融为一体的审美形态。这种对构图布局的借鉴主要体现在以下两个方面:
在中国画的构图布局中，疏密关系是一个非常重要的手段，画面一定“密”不透风，“疏”能跑马，注意“凝聚”与“疏旷”的对立与统一关系。现代平面设计必须要在构图布局时处理好元素之间的关系，在物象的表现方面要有很大的空间自由和组合范围，事物之间要疏密相宜，做到既有视觉上的审美感受，又能使画面生动形象，富有节奏和韵律。香港著名设计师陈幼坚先生的《设计与生活》，作品画面只有一双筷子和一只手，主题突出，构图简单，体现了构图中“疏”的一面，但画面中筷子的元素是由密密麻麻的排列在一起的一本本书堆积而成的，寓意着设计工作是一个不断学习与积累的过程，使画面得到了“密”的布局效果。作品密中有疏，疏中有密，两者地结合十分完美。
中国画注重“意象外之意”的意境营造，首先强调的是画面的虚实关系。中国画的虚实关系以“留白”、“计白当墨”、“以实观虚”的理念来表现画面，给人以更多的想象空间。正如清代画论家笪重光所言“虚实相生，无画之处皆成妙境”。因此，中国画是一种“意象”艺术，“意”起支配作用，“象”从属于“意”。如中国道家太极图，一阴一阳、一实一虚，正向我们揭示着中国传统美学和哲学思想中的精髓。现代平面设计与中国画一样注重画面的虚实关系，实物虚化，虚物实化，通过空间上的合理安排，起到似实而虚、活跃画面与烘托气氛的作用。中国当代著名设计大师靳棣强先生的《勇破成规》，虽然作品中有大量的留白，但却丝毫不觉空洞。画面虚中有实，静中有动，无为而无不为。这种处理画面留白的布局方式及其所产生的独特视觉效果，逐渐受到现代平面设计师的青睐与重视。
除了线条造型和构图布局外，中国画的主观表现特征也反映在色彩上。中国画色彩主要是受儒道思想的影响，更多的意味为人格物象特征的表现。由于中国道家主张无为逍遥的思想，提出“无色而五色成焉”的“素色”色彩观，并且在传统绘画中被赋予更多的人文性，这种观念也是对道家老庄“纯素之道，惟神是守”思想的顺应。在传统文化的熏陶与影响下，中国画强调主观的色彩描摹，讲究理性化和情感化，常常根据画面与描绘对象的内容需要，自由灵活地发挥色彩的作用，概括提炼对象的固有色。中国画色彩既有鲜艳矿物质颜料，又有透明质细的植物色，具有独特的表现形式与强烈鲜明的色彩艺术风格，在世界绘画艺术宝库中有着极为重要的地位。因此，在现代平面设计中运用中国画的色彩表现手法，不仅是融合和发展中国传统绘画艺术精神与表现特点，同时也易于表达作者的思想情感，使观者产生深刻的视觉印象。例如，香港著名设计师韩秉华先生将传统墨色与现代时尚色彩相结合，创作出城市文化系列的《苏州印象》。整个系列作品沉默幽静、清新儒雅，前两幅作品通过对中国传统墨色元素的使用让人感受到中国水墨画与苏州这座城市完美结合的意境，宛如一个温柔秀丽的江南女子在水墨的黑白浓淡之间款款而来，让人迷醉。系列作品的第三幅则是采用一种绚丽混沌的色彩组合元素，把江南水乡的温润与明丽表现得淋漓尽致。再如，在靳埭强先生的《九九归一澳门回归》中可以看到，画面语言对中国画形式的借鉴较多，包括对笔墨的灵活掌握以及颜色搭配等。这幅海报设计作品没有使用中国传统的喜庆之色去渲染整个画面，而是使用澳门市花的一片莲瓣，落在“99”二字组成的涟漪，并将中国画的墨色与粉色的莲瓣相结合，既能体现出淤泥而不染的高尚精神，又表达了澳门与祖国百年分离之后，即将回到祖国母亲怀抱的激动心情。
1.1课题一为Photoshop图像处理基础知识Photoshop的启动与退出主要知识点：
启动、退出Photoshop。Photoshop的操作界面及文件的操作主要知识点：菜单栏、工具箱、工具选项栏、控制面板组、状态栏、工作区；文件的新建、打开与保存；PDF格式文件的导入、AI格式文件的输出。Photoshop的新增功能主要知识点：笔刷面板、文件浏览器、修复画笔工具、修补工具、液化、图案创建、Web照片画廊。Photoshop工作环境基本设置与优化主要知识点：常规设置、文件处理设置、光标与显示设置、单位与标尺设置、网格参考线设置、增效工具与暂存盘设置、内存与图像高速缓存设置等。重点：Photoshop的操作界面、文件的操作、工作环境的设置。难点：快捷键的自定义、文件新建的参数设置。实验、实习项目为Photoshop工作环境的熟悉与优化。教学建议以多媒体演示教学与实习操作相结合。
1.2课题二为Photoshop图像的选择与编辑基本选择工具主要知识点：
选框工具、套索工具、魔术棒工具。图像的选择与选区编辑方法主要知识点：工具选择、色彩范围的选择、通道与蒙版选择；修改选区、变换选区、存储选区、载入选区。通道与蒙版主要知识点：通道的建立与应用；快速蒙版、图层蒙版的建立与应用；图像还原、复制操作主要知识点：还原、复制、删除工具；命令方式还原、复制；历史记录面板功能及应用。图案、画笔定义与编辑主要知识点：定义图案、填充图案、定义画笔。重点：选择工具的功能、选区的建立与编辑、通道与蒙版的建立与应用、定义图案、定义画笔。难点：通道与蒙版的概念、建立方法；画笔定义参数的设置。实验、实习项目：选区的建立与编辑；图像的选取与编辑；定义图案与画笔。教学建议：采用实例演示，任务式实习操作方法教学。
1.3课题三为Photoshop图层、路径、文字编辑、文字编辑主要知识点：
文字工具组、文字图层、文字的录入与编辑。图层主要知识点：图层的概念及分类；图层面板组成与功能使用；图层链接、更改图层顺序；图层编辑、图层组建立、合并图层；图层样式应用；路径主要知识点：路径的概念、建立、编辑；路径面板及各功能使用；形状工具组、路径工具组的功能与应用。重点：文字录入方式；图层、路径、通道的类型与概念；形状工具组、路径工具组的功能与应用。难点：图层转换；路径与选区的变换及编辑；通道与选区关系及转换。实验、实习项目：文字编辑技术；图层的建立与应用技术；蒙版与通道建立与应用技术；路径的建立与编辑应用技术。教学建议：采用实例演示，任务式实习操作方法教学。
1.4课题四为Photoshop图像颜色与滤镜效果专用着色工具主要知识点：
画笔、铅笔、渐变、油漆桶、取色工具；图像的色调、色彩调整主要知识点：色阶、曲线、色彩平衡、亮度/对比度、色相/饱和度调整、替换颜色；内置滤镜和功能与用法主要知识点：内置滤镜的概念、类型、参数设置、效果应用。外挂滤镜的安装与应用主要知识点：外挂滤镜的概念、类型、下载、安装及参数设置、效果应用。重点：色调、色彩的调整，滤镜效果的合理应用。难点：图像色彩、色调调整的用法，滤镜参数的设置。实验、实习项目：专用着色工具使用技巧及图像色彩色调调整；滤镜应用技术。教学建议：采用实例演示，任务式实习操作方法教学。
1.5课题五为CorelDRAW图形设计基础知识CorelDRAW的软件界面介绍主要知识点：
CorelDRAW工作环境的组成部分；菜单介绍；工具箱主要工具介绍。CorelDRAW工作环境基本设置与优化主要知识点：各选项参数设置文件操作主要知识点：文件的新建、打开、编辑、保存；其它格式图形图像文件的导入与导出。重点：CorelDRAW的工作界面及主要功能；文件的操作。难点：工具选项栏参数设置，其它格式文件的导入与导出。实验实习项目：CorelDRAW软件界面熟悉、基本工具使用技巧、文件的基本操作。教学建议：采用演示与实习操作相结合的方法教学。
挑选工具、矩形工具、椭圆工具、多边形工具、螺旋工具、方格纸工具、手绘工具、贝塞尔工具、度量工具、交互式流程工具、缩放工具、文本工具的功能与应用整形工具的使用主要知识点：形状工具、刻刀工具、擦除工具、自由变换工具效果工具的使用主要知识点：交互式填充工具、交互式透明工具、交互式调和工具、交互式轮廓线工具、交互式变形工具、交互式立体化工具、交互式阴影工具等。对象的操作主要知识点：对象的选取、群组、锁定、合并、拆分、变换、分隔；对象顺序的操作、对齐与分布。重点：工具箱工具的功能与用法；对象的操作与组织。难点：节点的编辑、交互式工具的用法、对象的顺序管理与组织实验、实习项目：图形绘制与编辑技术；交互式工具使用技巧；对象的组织与选取。教学建议：采用实例演示，任务式实习方法教学。
（1）本课程要求学习操作性强，但又要兼顾图形图像设计方法，因此教学形式以讲授和实践相结合方式。
（2）理论教学采用多媒体进行演示讲授，实践教学以机房网络演示、学生实际操作为主。
（3）为加强动手能力的培养，应充分重视实践性教学环节，保证上机时间不少于72学时。
随着设计界不断的创新发展，“维度”不再只是传统意义上2维的面、3维的体、4维的时间概念，不再局限于图形形式上的创新，更多体现于多种媒介手段的拓展、材料的组合、空间形式上的延展，以及各设计门类、学科的跨界交融整合性。在平面设计与其他专业进行维度拓展的过程中，所呈现出的不仅有平面与空间上的渗透、形态与产品的融合、设计者与受众间的互动，更有实体与虚体的依存。广义上平面设计的维度拓展，可分为两类，一是以立体化形态、材料语言、空间构建为主要样式的实体拓展；另一类则是以虚拟现实、视错觉、视觉空间为表现形式的虚体拓展。例如，印刷和纸媒上的拓展，引入了折叠、立体以及造型的三维元素；而建筑空间上的拓展，则是将平面语言应用于建筑及室内的图形纹样上；在产品设计上的拓展，创立了基于视觉传达手段的功能性产品。
数字技术的出现，使设计领域得到了前所未有的发展，将以往无法实现的表现形式变为现实，大大提高了整体的设计水平。运用软件进行设计，既减少了绘制的时间，又美化了视觉的效果，为设计形态增添新鲜元素，同时也将单调的二维表现方式进升至多维，完美演绎“设计是艺术与技术结合”的学术理念。电子化形态的推演、虚拟影像技术、网络传播等多媒体的发展极大丰富了信息数字化视觉语言的传播形式。而这些突破对于相关专业的发展、维度拓展的不断创新、设计教育人才培养模式的研究都具有积极的指导意义。专业领域上的交融，在实体的环境设计、室内设计、展示设计、公共艺术设计、工业设计、建筑设计、服装设计、产品设计和虚体的多媒体设计、动画设计、影视设计、网页设计中都有体现，它们或多或少都与最基础的平面设计发生着关系，且直观地体现在设计维度上的延展。可以说，“跨维度”属性早已渗透在各个专业领域中，它不仅仅是设计外在的立体空间呈现，更是内在富含多种专业设计理念的集合体表现。维度拓展也显现在学科的交融上。许多拥有成熟完整体系的学科，如美术学、心理学、哲学、文学等，为维度拓展的建构及研究提供了可靠的新的探索形式。而一些前瞻性设计已突破人文学科范畴，拓展到与科学领域间的交流。这种循序渐进的模式，促进了学科领域间的拓展，强化了交融理念和发展诉求，形成了设计维度拓展中的创新优势。在维度拓展设计中，各专业间保持着一种共同协作的工作方式。虽然每种学科的专业内容、性质都各不相同，但相互间都发生着潜在的依托关系。例如平面设计和产品设计始终是密不可分的，产品的外包装需要平面专业的图形元素和文字信息的支撑，而包装设计的本身又是依附于产品的内在形态，二者缺一不可，这就是协同性的体现。
“虚”和“实”两种载体共同构成了维度概念上的空间。现实存在的实体与看似无形的虚体发生着相互作用的关系。平面维度在空间中的拓展表现，将人和环境紧密联系在一起，形成互动的视觉效果，彼此交融碰撞出更深层的涵义。在很多作品中，设计师都将空间作为表现作品内涵的一个特殊媒介。纽约设计师StephenDoyle及其团队巧妙地将平面文字置于空间环境中，将学生应具备的思想品德和基本素养，以彩色胶带的创新形式，拼贴在校园真实场景中，即Curiosity（好奇心）呈现于实验室，Grit（坚毅）呈现于篮球场，Gratitude（感恩）呈现于教学楼的建筑上，Optimism（乐观）呈现于教学楼的楼梯间，Zest（热情）呈现于教学楼的通道中，另外SocialIntelligence（社交力）与Self-Control（自律）也分别展现其中，每个单词所特有的文化内涵都与所在的环境形成高度的融合，形成此时无声胜有声的有效互动。通过不同角度的视错感，营造出视觉上的空间延展，让沉闷平面的文字充满视觉传播力，生动打造出平面化的立体化，带来全新的视觉体验，起到积极的教育意义。地景艺术是维度拓展的典型样式。其设计理念打破了创作空间的局限性，走入到人们的生活中，探索着平面语言拓展形式的无限化。地景艺术最大的特征就是取材于现实场景，如街道、商场等公共场所，强调设计与人之间和谐的互动效应。在打造虚拟3D立体地面的形象设计中，艺术家运用色彩变化、物体变形等平面的表现手法，以透视原理为基础，使所画对象产生相对的大小变化，或是空间中的尺度变化，形成虚拟现实的立体错视感，营造出视觉生理震惊和心理困惑，使参与者融入作品中并产生情感上的交流，进而引伸出不同的故事情境和内心感受，带来虚拟立体化的维度体验。维度拓展还可以使平面设计的功能化延伸而成为产品。虽然产品设计与平面设计在形式上存在着一定差异性，但它们都是具有大众体验和传播性质，都有着综合性的信息处理过程，同时隐含着相互转化的可能性。在平面设计中，其依托于材料介质上的平面语言，通过图案、文字、符号、色彩等多种组合的表现方式，作用于产品设计上，给特有的视觉表现赋予了立体的产品功能，这个过程无不渗透出从平面形式延伸到功能性的维度拓展。分类折叠式手提垃圾袋，设计师将产品的视觉性、实用性、环保性、便捷性掌控其中，设计出符合大众需求的多功能产品。利用普通牛皮纸和硬纸壳等材料，加以折叠的手法，使其从扁平体变身为六棱体，且具有可分类功能的垃圾回收袋。在六个面的袋身上虽然没有具体的文字说明，但简单明确的图形样式，让使用者很容易快速区分出每个格子应呈放的垃圾种类。可以说，平面图案的线条描绘使产品视觉信息更直观，而平面形态的折压变化又使产品实际功能更人性化，“平与体”的相互转化，生动呈现出平面设计与产品设计间微妙的维度拓展关系。
静态软件指的是一些用来设计静态效果的软件，常见的有Photoshop和Painter。Photoshop是Adobe公司推出的位图图像处理软件，它的功能非常强大，具有图像处理功能，包括图像处理，彩色图像处理，图像合成处理和图形大小处理，支持多种色彩模式，和不同的格式输出功能，可以方便选择，并调整图像编辑器，进行调整色彩和绘画等。Painter是数字绘画工具的终极选择，是一个非常不错的仿自然绘画软件，拥有全面和逼真的仿天然画笔，是在同级别中最好的产品，高度赢得了业界的一致好评。
动态软件是指一些用来设计动态效果的软件，常见的有Flash和ImageReady。Flash是由Macromedia公司推出的交互式矢量图和Web动画的标准，一些需要改变导航界面大小或者需要做出一些奇特效果的工作，都可以通过Flash创建，Flash是世界上第一个商用二维矢量动画软件。ImageReady软件可以优化Photoshop图像处理，使之更适合网页设计，图像分割。也可以自动创建HTML文档，您可以创建一个简单的GIF动画。但不支持CMYK色彩模式，不能与印刷相关图像处理，它是一个网络特定的图像处理工具。
计算机设计软件是一个工具软件，计使用算机软件比一些传统的手绘方式要快、要准确的精度，要高的准确率。所以要想更好、更充分展示现代平面设计的艺术，就需要熟练的掌握各种类型的电脑设计软件的使用方法。然而先进的计算机设计软件只是作为一个工具来使用，无论计算机软件有多少的功能，它都不会向人一样的进行思考。所以即使一个设计师可以利用软件得到一些奇特的效果，但是没有反应出设计师的艺术水平和作品思想，那设计出来的作品也不会具有什么艺术价值。可见设计师的艺术水平是设计出好作品的关键。
传统图形设计是手工完成的，在生产的过程中，你需要完成三个过程，第一步“收集数据”，收集在我们的生产中的图形、图像和文本；第二步是“制作”，通过使用工具和技术生产；第三步“出图”，你将好的设计框架，模糊显示。使用纸和铅笔手绘设计，每一个改变需要付出大量的时间和精力，但最终的效果并不完美。在计算机设计软件中的画笔，喷枪等其他设计所需的工具应有尽有，不仅如此，如果一些工具不能满足设计师的需要，设计师可以对工具进行重置，知道满足要求。同时，现代图形设计人员不需要使用油漆，只要部署的调配色可以得到所需的颜色。然而一些传统的方法就很难达到现代平面设计的功能，比方说想要在任何方向的移动或者是按比例放大或在任意旋转的实现等。有的具有多功能的平面设计软件还允许层次化设计零件和分解的任意组合。
计算机设计软件不仅精度高，速度快，并且可以绘出很难控制的图形，还可以通过计算机设计软件，对设计的图像进行复制、镜像、旋转命令，由此设计师就可以得到各种各样的变化和组合以实现某一目标。如果设计师想利用传统的平面设计方法对图像进行修改，很难做到修改后的图像上痕迹不会消失，然而一些设计软件的使用这些问题就得到到了解决，而且在原图上根部看不到任何变化，节省了很多的修补时间，使设计的效率也得到了提高。计算机软件的使用使的传统图形设计方法需要七八天才能完成的工作，计算机软件或许一天就能完成，也可以达到传统的平面设计方法不能满足清晰度和准确性。平面设计师将多种颜色进行混合调配，从而得到一些多彩的设计效果。我们可以通过互联网搜索下载所需的材料，或收集好图形、图像和文本由扫描仪、数码相机进入计算机存储设备可以完成数据收集，不仅可以提高信息采集的速度，也降低了成本。
一些想象力丰富、创作灵感比较强的设计师可以通过现在平面设计的软件，把他们大脑中的艺术想象变成现实。而且各种各样的设计软件的使用，不仅使设计的效率得到了提高，还可以把平面设计师想表达的思想和艺术灵感充分的表现出来，也就是说只要平面设计师具有艺术灵感，那么结合计算机软件的操作，就可以完成设计。平面设计是一种规划，所以在设计的过程中是具有针对性的进行设计，在现代平面设计中，平面设计师的一些想法需要用视觉元素来表现出来，通过一些文字和图形的使用把想要表达的信息对公众进行传递。现代平面设计结合了艺术和技术的手段，所以只有学会对现在一些先进的设计软件，才能将设技师的想法充分表现出来。
开学第一课，教师要向学生展示平面设计专业的发展前景、教学成果、往届学生的优秀作品等，介绍本专业在中职期间要学习的专业课程及学校的师资情况。让学生充分认识到平面设计职业学习是一条成才之路，是适合自己发展的实用技术学习Bsport体育，就业前景光明。学生有了坚定的学习信心，教师的教学工作才能更有效地得到落实。“亲其师，则信其道”，此时教师的业务能力起到了关键的作用，这也是筑梦的关键所在。
优秀作品，不一定是完美的，而是指有新意、有特点、有个性的作品，哪怕是一副整体上失败的作品，只要其中有可取之处，就应加以鼓励。珍惜学生的创新能力，要勤于表扬，善于表扬，让学生的想象力得到充分发挥。对于收集来的优秀作品，我的做法：一是在教师机上建立优秀作品库，并对库中的作品及时更新，及时发送至每一台学生机，学生可以及时欣赏到优秀作品库中的文件。而且作为公共机房，不仅本班学生可以欣赏到，其他班的学生也可以欣赏到，其作用不言而喻。二是优中选优，将其中精致的作品制作成展版，在全校展出，或发送到学生的QQ群中，或参加各级各类比赛。在互相欣赏中，在师生孜孜不倦的努力中，学生那久违的自信定会重生，梦想的火花定会点燃。
对中职的学生可以划分为三个类型：少部分是优秀学生，老师一点就会，学习态度较端正，属于“举一反三”型（也有极个别能够自学的）；大部分是中档学生，接受知识较慢，学习态度则是左右摇摆，属于“举一反一”型；另一少部分则是后进学生，不仅接受知识慢，而且学习态度不端正，属于“举三未必反一”型。面对这样的学生群体，教师必须注重营造团结向上的课堂氛围，培养学生的合作与竞争、交流与沟通的能力。团结向上的课堂氛围不仅是提高学生学习兴趣、融洽师生关系的润滑剂，而且学生通过合作学习，互相启发，共同探讨，学生的创作能力能够最大地发挥出来，课堂的教学效果也会得到进一步的升华。在互帮互助的学习氛围中，优秀的学生更加优秀，中档学生逐步向优秀学生靠拢，少部分后进学生也逐渐向中档学生靠近。
（1）创设学习环境氛围。目前，大部分学校的机房条件都比较好，一人一机，日常教学均能在机房完成。在这样的环境中，我们总能找到一块黑板或一面墙来书写青春誓言，激励学生。梦想未必对所有学生都管用，但是适当激励肯定是有用的。更多时候，等到学生步入成熟时，能让他记忆犹新的，或许就是墙上的那句青春誓言。（2）开展“赛在平时”活动。在平时的教学中，贯穿平面设计作品制作比赛可以取得良好的效果。这样的比赛可以在平时的一节课上，也可以在一个学习阶段结束后。由于有了这样的机制，当我们需要参加校级以上各种级别的比赛时，基本上可以使用平时教学中形成的作品。这样既保证了比赛的全员参与，也使得在参加大的比赛时师生不疲惫。比赛不在于级别的高低，而在于学生的参与度，以及每次比赛后学生的收获。通过比赛，会形成很多独特的学生作品，学生会主动寻找亮点与不足。“不愤不启，不悱不发”，此时教师再加以引导便可达到事半功倍之效。此外，通过比赛还可以培养学生珍惜机会、找差距、重参与的良好比赛心态。
教师要主动引导学生从“情不愿”的纠结过渡到“心甘情愿”地爱上班级，爱上学校，爱上平面设计专业，从而找到归属感，享有成就感。学习的道路并不平坦，教学的道路更需实践。教师要把平面设计师“职业梦想”教育落实到课堂中，谱写“梦想四篇章”，让每一个学期都有梦想的主题，都有梦想的伴随。梦想四篇章指的是：第一学期：有梦就会飞（信心恢复）；第二学期：有梦一起飞（团结协作）；第三学期：飞得更高（更自信）；第四学期：梦想成真（收获成果）。
（1）对于一般知识点，引导学生自主探究。可以大量借助视频让学生自学，自主完成作品，教师则重点引导学生总结归纳知识点，找到理论与实践相结合的点，既要学会，更要会学。（2）对于难点，逐步实施教、学、做合一的教学模式。教、学、做合一教学模式要求我们把握好理论教学适度够用的原则。根据学生的接受程度，教师讲解、示范与学生操作交替进行。让学生边听边想，边想边学，边做边学，加深对知识点的理解。随着学生自主学习能力的提高，逐步放手让学生做。（3）在应用案例教学法时，应结合知识点尽量选择简单、适用、美观的案例进行教学。在教学中，应当留足够的时间让学生“做”，引导学生通过“做”，达到理解、巩固、运用知识的目的。让学生感受到“做”带来的快乐，教师则从“做”中寻找中职教学的规律，从而不断将“教、学、做合一”的教学理念落到实处。
（1）教会学生利用屏幕录制软件，“你讲我听”、“你做我看”、“听完看完我问你问题后继续做”。比如，在进行Pho-toShop平面设计软件教学时，教会学生使用屏幕录制软件，把自己的操作录下来，让学生在提交作品时，同时提交PSD格式源文件、JPG格式压缩文件、SWF格式录屏文件。教师通过查看学生提交的JPG、SWF格式文件能够很快判断出学生的操作情况，找出学生操作中集中存在的问题，并甄选优秀作品共享给其他学生参考学习。由于平面设计作品创作需要一个相对安静的环境，学生在录屏时不具备录音的条件，“你讲我听”可以选择特别优秀的学生作品，让学生到教师机前进行讲解示范。在实际教学中，我发现即使作品不那么优秀的学生也很愿意做个录屏文件，给老师和同学看，学生的表现欲望、优秀欲望，通过这种形式能够得到一定程度的满足。而且通过“看”学生的录屏文件，我也从学生那学了很多。“你讲我听”、“你做我看”、“听完看完我问你继续做”，学生的主体地位、教师的主导作用得以体现，学生的学习兴趣、动手操作积极性得以激发，学生乐学、教师愿教、教学相长的良好局面逐渐形成。（2）激发学生潜能，鼓励学生自主创作，“我做得一般，你做得更好”。当前，大部分中职学生毕业后都直接走向社会，他们更需要坚实的专业能力和职业素养。“我做你做”不要停留在模仿案例作品上，师生在教与学中都应当有发挥和想象的空间。模仿作品容易挫伤学生的自信心，模仿难免会有瑕疵，单纯一味地模仿案例作品，不利于学生自信心和创新能力的培养。模仿作品容易使学生产生依赖思想，也容易沾沾自喜，有相当一部分学生满足于“照猫画虎”，对知识的理解只知其然，不知其所以然，导致许多学生不能形成自己的作品，更谈不上作品的新意、创意。因此，教学中教师不要什么都想给学生讲，结果学生什么也听不懂，有时应该适当“懒”一点，留点问题给学生，让学生自己弄明白；留足时间给学生，去咀嚼、探寻和感悟知识；“我做得一般，你做得更好”，鼓励学生自主创作，通过有新意的“做”，有个性的“做”，有思想的“做”，激发学生潜能，培养学生的创新意识和创造性思维能力，提高学生的核心竞争能力。
儒、释、道三家思想构成了中华民族的主要文化心理，其中又以儒家思想影响最为深远和广泛，上尊下卑的伦理道德是儒家思想的基础与核心。白鹤、燕子、凤凰、白头、鸳鸯组成的“五翎”图案，是中国传统的吉祥图案，象征了儒家思想中的父子、朋友、君臣、兄弟、夫妻等伦理关系。
早在原始社会时期，人们就以图腾崇拜的形式展现自己对大自然的信仰，氏族部落群体多将某种无生物或动植物作为保护氏族发展的标志，加以崇拜和信仰。《山海经》中就有关于凤凰图案的记载，并对其各部分花纹的内涵进行了详细分类和表述。如，翅膀上的花纹代表顺，头顶的花纹代表德，胸前的花纹代表仁，背部的花纹代表义，腹部的花纹代表信。显然，凤凰图案表达了人们对太平生活的憧憬，具有鲜明的吉祥意义。
我国有许多表达民俗意蕴的吉祥装饰图案。如，春节期间我国百姓常在家中张贴一些表现四季平安、年年有余、五谷丰登的剪纸图案，表达对生活的期望和祝福。这些传统的民俗图案虽然具有一定的时代局限性，但在一定范围内仍然能够激发群众意识，进而增强民族凝聚力。
当今社会，人们的艺术审美追求呈现出鲜明的本土化和民族化特点。因此，在现代平面设计中合理运用民俗图形，能够有效增加作品的艺术魅力，满足人们的艺术审美需求。现代平面设计中常运用数尾金鱼、狮子滚绣球、三羊鼎立、五只蝙蝠围绕篆书“寿”字、象驮宝瓶、鸡立于石上、葫芦、喜鹊、莲花、儿童抱鲤鱼等民俗图形。此外，传统的蝴蝶元素也常被运用到平面设计中。由于蝴蝶一生仅有一个伴侣，因此在我国民俗文化中，蝴蝶是爱情、忠贞和幸福的象征，它表达了人们对自由和爱情的追求、向往。在一些婚庆设计中，常运用蝶恋花的图案元素喻示婚姻的美满和爱情的甜蜜。在中国传统民俗文化中，凤凰和龙都被视为神仙的宠物。因此，龙、凤图案具有鲜明的民族特色。早在我国古代社会，人们就常将龙、凤图案运用到各种工艺制作中。许多现代设计仍采用了“龙凤呈祥”的图形元素，以表达幸福、吉祥之意。此外，在我国古代，龙还被用来代表皇帝，凤则代表皇后。因此，现代平面设计中也常用龙、凤图形元素表达高贵、吉祥之意。
在现代平面设计中合理运用文字图形，可以增强作品的装饰性和阅读性，如包装设计、封面标题字体设计、海报设计等。文字图形中的每个字都具有一定的形式美，在平面设计中可以对所选字体的横、竖、撇、捺、点作局部设计，以此增添文字的图形性，将图形与文字有机结合在一起，形成独特的视觉刺激，引起受众的关注和记忆。此外，现代平面设计对文字图形的运用还体现在对文字大小、疏密、排版、笔画、空间的安排上。在现代平面设计中运用文字图形时，要注意韵律与节奏的协调性，依据设计内容合理安排点、线、面等字体形式，不断革新作品的特色和整体风貌。当设计内容既有图形又有文字时，要充分考虑文字与图形的结合，依据图形内容与大小，合理调整文字的视觉效果；要分清文字与图形的层次和构图关系，运用有限空间充分表达设计意图。除此之外，在运用文字图形时，还应充分关注文字的编排效果。在设计画册时，要尽量避免混乱，最大限度地保持文本的精致和整洁，文字布局不能太满，要有适当的空间留白，字体不能太粗，且以黑色为主，选择小字号，加大行间距，以此增添设计的现代感；也可以运用不同颜色的字体增强画面的层次感，如，正文和标题可以采用不同的色值。而在设计小说、散文等文本时，色彩则不能太多，行距要进行适当调整，字体也不能太粗，不同级别的标题在颜色和字体上要有所区别，还要充分把握字体设计细节。店铺招牌设计则要根据店铺性质进行合理调整。如，餐饮商店要时尚、活泼，颜色则以亮色调为主。名片设计则要简单大方，字体不能太夸张。总之，现代平面设计要根据设计内容，不断尝试和调整字体图形，以增强设计作品的艺术性。
传统吉祥图案在现代平面设计中的运用也较为常见。当前,平面设计要求图案构成既要有时尚元素，也要突出民族特色。因此，设计师若要满足时代需求，就必须在平面设计中运用传统图形元素的同时，合理融入当代构成理念。如，2008年北京奥运会的吉祥物贝贝、晶晶、欢欢、迎迎、妮妮，其设计理念就是将人与动物有机结合在一起，彰显了人与动物和谐相处的理念。同时，还将奥运元素运用到吉祥物的设计中。如，火娃的设计就吸收了奥运圣火的元素。而在设计、运用吉祥图案方面，奥运吉祥物的头饰部分显示出鲜明的个性化特点。头饰可以单独开发，方便孩子根据自己的兴趣做出不同选择，有效增强了设计的互动性。此外，北京奥运会设计了五个吉祥物，是奥运会历史上吉祥物最多的一次，充分体现了中华文化的博大精深。现代平面设计中经常运用的吉祥图案主要有天马行空、春花三杰、富贵万年、君子之交、春兰秋菊、鸾鸟绶带、岁寒三友、香花三元、天仙寿芝、丹凤朝阳、一品清廉、百事如意、九重春色、鸾凤和鸣、九秋同庆、仙壶集庆、凤戏牡丹、贵寿无极、玉树临风、本固枝荣等。在平面设计中合理运用吉祥图案，可以丰富设计内涵，但不能随意运用。首先，传统吉祥图案丰富多变，设计师在日常工作和生活中要加以收集、整理，在设计运用时要根据设计内容进行科学筛选。其次，在运用吉祥图案时，要借助相关软件，根据内容需要进行相应的修改和变化。目前，在月饼、茶、酒等包装设计中经常运用吉祥图案，高档布匹、茶具、传统书籍等的设计也会吸收吉祥图案的某些元素，极大地提升了产品的附加值。综上所述，将现代平面设计理念与中国传统图案元素有机结合，是对平面设计的深层探究和实践。设计师在现代平面设计中要灵活运用传统图案元素，根据设计内容需要，突破原有的图案构成框架，汲取中国传统图案的精髓，在体现时尚感的同时充分展现民族风韵，以增强平面设计作品的民族性，满足受众的个性化需求。
佛教中禅宗的审美观是一种顿悟，禅悟。佛教中也有自己的艺术和审美，艺术，例如建筑、雕塑、绘画、壁画等等；禅宗追求一种高雅而又富有趣味的生活、境界，自佛教传入中国，便融入了中国，并对中国文化、中国社会产生了巨大、深远的影响，改变甚至在不同程度上促成了中国文化思想和中国社会习惯的融合。佛教思想带来的影响不仅仅体现在精神信仰、思想文化上，还深入到中国人对艺术理念和审美观念的影响，例如，佛教中追求的“境”、“境界”的思想，是中国美学中境界理论的来源之一，体现在诗人、画家在诗作和绘画上追求的“意境”美。在佛教“圆”的概念中，从美学观念上来分析，可以概括、归类为三个方面：在佛像崇拜上崇奉“圆相”，在教义或者教理上崇奉“圆融”，在禅宗的最高境界上崇奉“圆寂”。转换到美学的上理念，就是“圆相”之美、“圆融”之美、“圆寂”之美。“圆相”之美。佛教最开始的主张是“无相”、“非相”，发展到后期，慢慢开始出现建造佛像，佛教变为“像教”，那时期佛陀的相貌有一个重要的共同点，长相圆满。但是，佛像中的所崇拜的圆相，不单单指的是圆形，更宏观的包括圆转的、圆满的等等，这使之呈现的既丰富饱满又整齐有序，既庄严敦厚又灵动多变的特色。更深层次上讲，佛教的圆相之美是从修持中得来，这不仅是对佛像的崇拜上，也是对精神境界的崇拜，例如，佛教喜欢用镜子和月亮来比喻人生的境界，无论是镜之美，还是月之美，都是圆之美。“圆融”之美。佛教中讲究因缘和合，认为万事万物都是因素和合而成。简单理解，众生万事万物之间都是有联系的，有因有果，都能够融合在一起。“圆融”是“圆”之美中没有显而易见的“美”，立意不在美，但它的宗旨都指向了美，美的最高境界，就是圆融无碍的境界。此外，“圆融”之美还体现在其他层面上，在我国古代的美学文献中有许多用圆来比喻艺术技巧和艺术境界的文字和言论。如周颐在《蕙风词话》中写道：“笔圆下乘，意圆中乘，神圆上乘。能圆见学力，能方见天分。”这里讲的圆是对艺术技巧的概括，技艺、艺术技巧需要达到炉火纯青的境界，只有做到形和意的统一才能达到圆融的境界，才能称得上美。这就是艺术形象中要求的形、神兼备，将各个方面的元素圆融为一体。“圆寂”之美。“圆寂”是佛教所追求的最高境界。涅槃称为圆寂，圆满、圆明、圆通突出了它的美学。它的美学意义：涅槃之境是以静为本的以动趋静、静中寓动的境界。在佛教中“涅槃”是一种超脱宁静、非凡的境界，但是要达到这个境界，必须不停地前进、修行，永无止境，虽然是永动的，而追求的最终境界是静的。以静为本、静中寓动的涅槃境界是很美的，动与静的结合特别能体现出生命的意义，因为生命的奥秘就在于此，动可以理解为生命的本质，而静可以理解为生命的孕育。
古人留下了大量的诗作歌颂太阳、月亮；现代设计师多用圆来表现团圆、圆满等美好的寓意；概括来说，人们喜用圆和“圆相”这一意境来诠释团圆美满、成功，表现人生所追求的境界和状态，这为设计师需找设计内涵和意境提供了灵感来源。“圆融”之美中讲“和合”就是“圆融”，讲求注重内与外、虚与实、自然与生活、自然界与人类的联系，万事万物圆融统一。形与神、形与意的圆融。圆融之美的艺术境界里讲求，心、手的圆融，理解下来其实是眼的观察能力，心的领悟能力，和手的技术三者之间的协调平衡，三者统一融合便是圆融，反映在当下，体现在两面，一方面是设计师的眼高手低或者手高眼低，另一方面，设计作品的形和神没有统一，作品没有味道，缺乏韵味。“圆寂”涅槃。这是佛教乃至所有人追求的最高境界，更是一种精神世界的体会，它所追求的就不是“空”，也不是“无”。设计师运用这个概念体现在现代设计上就是“设计中的留白”。涅槃之境是“空”与“有”的统一。“空”不是一无所有，是指无限；“有”，是本身存在的事物。涅槃之境是有相和无相的统一，无限和有限的统一。“空”与“有”，体现在设计上就是设计版面的满与设计中的留白。
通过研究这个课题，笔者认识到设计、艺术与各方面的联系，应该挖掘深层次的设计灵感，对于中国传统文化、宗教、艺术美学，不仅要保护，更要去学习了解、发展延续这些瑰宝，真正做到圆融，给予它们新的生存环境、生命意义；不是简单地复制粘贴，而是经过“妙悟”之后，打破陈规，推陈出新，真正做到形神兼备，达到涅槃。
中国传统美术色彩具有极强的艺术表现力，是我国艺术文化中不可或缺的重要组成部分，在传统的装饰性与表现性上，美术色彩能够更加突出的展现出其魅力所在，充分实现了艺术形式与美学的交融，这一点与现代平面设计工作不谋而合。传统美术色彩与现代平面设计在视觉效果传达的过程中，具有相同的表现力与艺术气息，对色调的使用与设置都充分体现出了自由、奔放的表现形式。我国民间艺人在传统美术绘画过程中，对于传统美术色彩的选用，更多的以其自身的偏好为主，在理想化的装点与搭配下，充分实现传统美术色彩的完美展现。而现代平面设计师门在实践工作中同样注重对感觉的把握，根据色彩明亮绚丽的程度，以自身的偏好和感觉为主，使装饰品与着色物体在色彩的点缀下栩栩如生，充分实现了色彩与平面设计的完美相融。在现代平面设计工作中，设计师们更加注重利用色彩的视觉冲击力来吸引大众，通过将不同色彩间的明暗变化与视觉冲击力进行完美应用，使平面设计能够带给观赏者强烈的视觉冲击力，引发观赏者的情感共鸣，充分实现平面设计师的设计用意。因此，色彩对于现代平面设计的重要性不言而喻，在很大程度上，色彩都是平面设计中的首要运用因素，通过合理化的运用色彩，能够使色彩本身所具有的特性直观的表现在平面设计作品当中，使色彩与平民设计做到完美融合，就像将一种色彩进行艺术创作，使之能够融入到设计师的思想情感当中，经由设计作品进行强烈的情感思想表达。由此可以得出，传统美术色彩与现代平面设计具有密不可分的紧密联系，具有高度的相似性与艺术表达效果。
文字意象作为视觉符号的一种，在现代平面设计中逐渐深受设计师们的喜爱，通过将文字意象实践应用于平面设计当中，既展现出了平面设计的主体信息，又借助文字符号，为平面设计增添了文化意境，使平面设计在整体构成上显得更加饱满与深邃，富有文学艺术气息。因此，通过将传统美术色彩与文字意象相结合的手段，能够更加吸引观赏者的目光，使平面设计作品在体现艺术色彩的同时，给观赏者传递更多饱满的艺术文化气息，充分体现平面设计作品独特的设计效果。在我国今后的现代平面设计工作中，设计师应注重传统美术色彩与文字意象的结合与统一，使色彩在文字信息中发挥出更加突出的艺术效果，充分体现出平面设计作品的情感思想与艺术表达效果，引发观赏者的共鸣。
装饰与点缀是现代平面设计作品中不可或缺的重要组成部分，能够极大地提升平面设计作品艺术表达效果的饱满程度，使作品当中蕴含的艺术气息与美好寓意能够完美的进行表达。因此，现代平面设计师在实践工作中应更加注重对传统美术色彩装饰性的挖掘与创新，充分利用传统美术色彩的表现效果，使现代平面设计作品在传统美术色彩的装饰下显得更加饱满丰富，更加突出设计师的思想情感。例如，在现代平面设计”招财进宝”中，设计师可以采用民间艺人的传统美术表现手法，将寿桃与花鸟等吉祥图案充分展现在作品当中，以装饰点缀的形式，为平面作品增添无尽的魅力，更加突出现代平面设计作品的艺术表现效果。同时，设计师在设计热闹喜庆的平面作品时，应积极采用传统美术色彩的应用方式，将中国人惯用的大红色调进行应用，通过将传统美术色彩与现代平面设计相结合，使红底黑字的现代平面设计突出表现热闹喜庆的欢乐气氛，设计师在实践环节还可以对传统美术色彩的运用方法进行创新，利用现代创意字体与创意图案进行平面设计，给观赏者耳目一新的感觉。
综上所述，中国传统美术色彩文化博大精深，在实践应用过程中与现代平面设计具有极大的相似性，两者作为我国文化艺术形式的一个缩影，在今后的发展与创新过程中，应在原有基础上不断完善和提高，充分实现传统美术色彩与现代平面设计的有机结合。
中国古代的水墨山水画家习惯用笔和墨作为表现物体的主要工具和方法。通过笔线的变化表达作者的思想情感，运用粗细不同的勾勒线条表现不同的意境，这是古代的水墨山水画师所常用的方法。在现代平面设计中，现代平面设计师也可以借鉴古代，用水墨笔法在设计作品中表现情感，传递信息。例如靳棣强先生为奥运会设计的《奥运海报》，运用几条简单的水墨线条来形成一把中国特有的尺子，将中国元素表现得淋漓尽致。在平面设计实践中，中国水墨画笔墨技法的运用方法十分多样，有时是点面结合，有时是点线面混合应用等等。设计师通过不同的形式，来表现物体的形态结构，寄托设计师的思想感情，表达更深层次的含义。但是需要指出的是，现代设计师在运用水墨技法时，与古代画师有着同样适用的理念，那就是追求神似，而不追求形似。他们在使用水墨技法时，只是大概地描摹事物的轮廓，而不苛求于事物的细节，留下大量的空白区域，以调动人们的联想。例如靳棣强设计的“服饰与文化”海报，就是以一把竹尺来表达其中心思想。其中，竹尺是生活中常见的事物，设计师在用水墨来表现这一事物的时候，运用了焦墨枯笔的手法，通过水墨的肌理描绘来表现文化的特征，笔力多变，表现力惊人。
水墨，水墨，墨是水墨画的核心。所以，无论是古代还是现代的画师都十分重视墨的材料和墨色的变化，这对现代平面设计的色彩运用产生了很大的影响。目前中国平面设计中存在着用色混乱的现象，各种色彩一拥而上，完全不考虑画面的整体效果，仅仅追求繁复颜色的画面内容。可以利用水墨的肌理纹样来修正画面，即可使画面呈现出简洁明快的风格，也可以蕴含中国的古典韵味，呈现出简单明了的画面效果。所以，越来越多的现代平面设计师将黑白灰作为艺术设计的主要色彩，取得了非常好的视觉效果。事实上，现代平面设计中所运用到的色彩都可以概括为黑白灰三种颜色，如果设计师能够把握住这三种颜色的比例，就可以设计出恢弘大气的作品，赋予作品以丰富深厚的内涵。再加上大面积的留白和程度不一的墨色，给观众以强烈的视觉冲击。例如靳棣强先生的《永字八法》，将大片的留白作为背景，给人留下了无穷的想象空间。墨色的黑白灰三种变化所形成的对比增强了画面的空间感。黑色的笔画反映着火柴的柔光，在表现主题的同时，给人以稳重、深邃的视觉感受，而前后错落的拍板，则让画面无穷地延伸开去，取得了画有尽而意无穷的效果。
构图是画家表达意境和感情的手段。与西方绘画不同，中国水墨画的构图是全景式的，在小小的一方白纸内进行疏密、虚实、远近的安排，在一维的空间中表现出来二维的层次感。具体来说，中国水墨画对现代平面设计的影响主要表现在三个方面，首先是疏密关系，其次是虚实关系，最后是对比关系。中国水墨画之所以能够对现代平面设计产生如此之多的影响，是因为它与现代设计之间有一个十分重要的相同点，他们都是在二维空间中表达设计者或者画师的思想情感。所以，为了在现代平面设计中更好地运用水墨元素，我们在创作时应注意以下问题。
无论是古代的水墨画还是现代的平面设计，都存在着空间问题。这个空间是由多种元素构成的。例如黑白灰三种颜色可以形成一个三维空间，平面透视关系可以形成一个二维的空间，对比关系也可以营造出空间感等等。靳棣强先生就曾经使用一个红点来表现点与空间的对比，营造出了强烈的空间感。
在中国水墨画中，留白是一项十分重要的技能，它能够丰富人们的想象，拓宽人们的思维空间，形成一种气韵生动、意境深远的视觉效果。在现代平面设计中，留白依然可以发挥作用，合理的留白不仅能够使画面更加简洁明快，而且还能够进一步凸显主要物体。
一般来说，画面是静态的，想要表现出动态的美感是不容易的。对于水墨画来说尤其如此。但是水墨画的动静之感却可以通过浓淡不同的墨色、点线面的结合等方式来表现，这就给现代设计一个重要的启示，在现代平面设计中，也可以运用同样的方法来营造动静结合的美感。
先秦美学思想以“和为美”为特征，逻辑地以三种倾向的具体形态存在。1《吕氏春秋》是总结先秦时期诸子百家的集大成者，书中不乏对美学的精辟见解和独到认知，它既通过万物运动变化的角度来考察，又在艺术方面用其高度概括的思想来解释说明。
万事万物都是发展变化的，美也应存在于万事万物的发展变化之中。《吕氏春秋》从自然，从美与自然，美与生命的联系考察美；更从社会，从美与人类精神的关系审视美；从整个宇宙的广远和深久观察美。它把美的产生和存在归结于宇宙万物的运动变化。《大乐》是吕书论乐的总纲，也可看做是吕书的美学的思想根本，其提出“生于度量，本于太一”的观点，在它看来，体现美的宇宙万物是运动变化的，万事万物的变化都具有一定顺序，要从这些变化中把握一定的规律。
《吕氏春秋》认为美也在审美客体与审美主体的相契相适之中，主张“和出于适”。“适”的概念贯穿于整个吕书的美学思想之中并有着举足轻重的地位，是自然生命和人的生命存在的一个普遍原则。书中所谓“适”既包括审美客体物之“适”“音适”，也包括审美主体我之“适”“心适”，而更指主客体关系的相契相合“以适听适”之适。将吕书中的适引申到现代平面设计中来解释，“适”意思是适当、应当，即事理之当然，事物之恰到好处和人与这种视觉关系相适应，同时适更给人一种想象的空间，从而使得整个设计的层次更深一层次。
吕书论原始文艺就明确地持这种见解。文章结论说音乐和谐而后就会通达理义，人民就向往道义。这也就是要促使人生追求道义，而追求道义也就是人生的理想和归宿。这一观点同样也适用于平面设计中，整个元素运用得当使得整个设计具有一定的违和感，从而会使设计的理念得到更大层度的强化。美在人生追求的理想。吕书认为美就在人生追求的理想的见解，还体现在对社会生活和自然之物的看待上。吕书提倡发挥人的主观能动，有所作为的精神。美在于人生追求的理想的观点，是广泛接受儒家思想又有不同。孔子主张达情又要止于礼义和让人如“好色”一样去“好德”的看法，孟子的“充实之谓美”和强调人格美的说法，荀子注重后天“修为”“善民心”使之向往道义的论说，在吕书都可找到痕影。吕书强调面对现实积极投入社会，但又突出个体人生的情感、欲望、意志的自由和修生养性的重要价值。《吕氏春秋》的传统美学观点又同时体现在现代平面设计中，由此可见美是通达礼义，进而实现自身理想的必由之路。
现代平面设计是美学高度发展的必然，好的设计作品反映的思想本源应该是同宗同源，和谐统一的。下面通过对几个实例具体分析，揭示设计背后所契合的美学思想。
1.西摩切瓦斯特的平面设计作品运动变化中的“失衡”美
美国观念形象设计的代表人物之一西摩切瓦斯特的平面构成的设计，作品本身注意图形或物体形状的大小、位置、方向，色彩等变化，运用图形的夸张和色彩的变幻，追求具有抽象的纹理以及回旋状结构来表达视觉效果意义上的强烈旋转力度。以期达到在运动变化中的失衡状态下的美学冲击力。在当时设计运动繁多的背景下，切瓦斯特开始丢弃工业化的刻板的设计面貌，重视画面感性思维的投入及注重表达个人观念，重视把艺术表现引入到平面设计中去，达到艺术性和功能性同时兼顾的效果。无论是在绘画艺术、雕塑艺术或图形设计艺术中我们都可以感觉到造型因形状、大小、位置、色彩明度等因素变化而引起的倾斜、集聚、变动或频闪传递等等复杂的动感形式这种“动感”使绘画艺术、雕塑艺术及图形设计艺术具有了”不动之动”艺术魅力的特殊性质，体现了事物在运动变化中的“失衡”美。
无印良品的产品向来是返璞归真，崇尚自然的。从“无印良品”品牌的宣传海报设计来看，将“适”的美学展现十分出色，从整个图片的结构分析来看，对整个版面进行了视觉点的分割，上下两个面的对比，给人一种适度的空间感。从内容上来看利用地平线的透视对视觉产生强烈的冲击力，加上“无印良品”文字LOGO，再没有其他多余的元素，它的这一系列传达出的空旷寂寥之感ｕｉ设计，而不是某种实物，非常成功的体现“无印良品”这个品牌所蕴涵的精神，达到了既定的目标。
综上所述，《吕氏春秋》中的美学思想是很超脱的，不同于儒道之论美，更具有其发展空间，是对先秦诸子百家思想的一种兼容并包与融会贯通。构成了后世汉唐儒家、宋明理学的直接思想源泉，影响到后世美学思想和中华民族思想的整体性特征和演变；有助于深刻把握现代美学和现代平面设计的根本美学特性。文中选取极具代表性的设计作品，它能够构建美学的相关理论体系，并反映现代平面设计发展的大势，并就某些问题提出了具有重要意义的看法。有助于更深刻地把握中国美学和中国艺术文化的根本特征。
中国陶瓷艺术寄托了古代人民的精神向往和对形式美的追求，其艺术形象所体现出来的简约性和抽象性的特征，充分地展现出其简洁质朴、概括变形的风格特质，这些特点与现代标志设计的理念是十分契合的，甚至带动了现代标志设计观念的进一步发展。例如，香港凤凰卫视的台标就成功地借鉴了中国陶瓷纹样中的凤凰纹样，并采用图案形式安排中的喜相逢结构，一凤一凰高翔九天，鸾凤和鸣。凤凰是传说中的鸟中之王，是中国陶纹中采用较多的象征吉祥如意的装饰图案。凤为雄性，富丽堂皇，象征男性的富贵雄强；凰为雌性，艳丽多姿，象征女性的美貌暄妍，二者意味着吉祥与美好。鱼纹是中国最为常见的传统陶瓷装饰纹饰之一，自原始社会直至当代，绵延不绝。“双鱼纹”一直是陶瓷鱼纹中的重要类型，如原始社会的双鱼纹陶器、北宋双鱼纹玉盘，其文化内涵远远超出了单纯的“吉庆有余”的吉祥意味，而有着更为深刻复杂的意蕴，并直接决定着纹样形式。香港著名设计师陈幼坚先生为香港西武百货公司设计的标志就具有浓重的吉祥意味。标志以传统中国瓷器的双鱼，演变为西武百货公司英文名字“SEIBU”的“S”，鱼与余同音，蕴含着“连年有余”的特定内涵，代表吉祥喜庆。
2008年，中国北京奥运会成功举办，为世界所瞩目，世界各大品牌竞相追逐“中国风”，而“青花瓷”几乎在一夜之间成为时尚界最抢眼的中国元素之一。产品包装设计、时装设计、家具设计、建筑设计等，处处皆有青花弄影。当次奥运会水上项目颁奖礼服青花刺绣鱼尾裙，在全球观众的注视下应运而生。青花系列奥运颁奖礼服以冷调漂白色为底色，以青花图案作为服饰重点，形成具有中国特色的蓝白相间色彩，气质清新高雅。与此同时，北京地铁10号线出现了“青花瓷”大柱，鸟巢、水立方都建有青花瓷瓶状的出口，“绿色媒体村”出现了青花瓷自动提款机，长安街建起了“青花瓷”瓶奥运花坛，TCL推出了青花瓷盘按键手机，汾酒、二锅头也改成了一身“青花瓷”包装。奥运会的成功举办，为中国带来风靡一时的“青花瓷现象”。青花瓷自唐代始，成熟于元代，明清时期大为盛行。其装饰富丽雄浑，主次分明。纹饰题材有植物纹、动物纹、人物纹以及与佛教相关的纹饰，具有极强的艺术感染力，别致的色白天青的色相，也承载着上千年的中国文化底蕴。当下由青花瓷包装衍生出的各类消费产品，貌似纷繁复杂，实际上却是异质同构。青花瓷这一原本高雅纯粹的艺术意象，在现代包装设计中被人们按照各自的需要进行解构、重组，融入繁冗复杂的产品当中去。这种分解重组，打破了阳春白雪与下里巴人的分界，为设计者们的设计思路提供了更为广阔的驰骋空间。
中国陶瓷纹样除了具有丰富的象征意义和思想情绪外，还具有很强的形式美感。对称、均衡、条理、反复、节奏、韵律等形式法则不断在部分陶瓷艺术纹饰中得以出现，这些形式法则和组织构成是陶瓷艺术对自然规律的概括和升华，源于自然又高于自然。此外，中国陶瓷釉彩明艳、纯度较高，如唐代三彩陶器，以黄、白、绿三色为主，相互浸润交融形成浅黄、赭黄、浅绿、深绿、天蓝、褐红、茄紫等斑驳绚丽的色彩。
中国的现代平面设计要在世界之林中脱颖而出，民族元素是一个至关重要的突破口，如何将民族传统和时尚现代有机结合，是一个不小的课题。香港设计大师陈幼坚先生所说：“成功之处不在于能在招贴设计中注入传统元素，而是将这些元素以现代技法恰当表现出来。商业是命题，艺术是境界，我所做无非是努力将商业命题做到艺术的境界。”中国陶瓷艺术博大精深，其装饰纹样的艺术表达是直接淳朴、不做修饰的；而现代平面设计的艺术表达往往是含而不露的，更加重视精神内涵。
古孙子有云：“因敌变化而取胜者，谓之神。”现代平面设计更需与时俱进，在纷繁多彩的当代平面设计风格中寻找民族的思维火花，对陶瓷艺术元素加以提炼、改造和运用，传其神、延其意，方能为中国现代平面设计开拓出一条启示之路。
在印象派画家之一的毕沙罗前辈影响下,梵高摒丢了以沉重混暗的色彩画风,凭借最大的热情选择了色彩鲜明、色阶繁多的色光混合方法,将色彩进行拼加混合。这种现象独属色光混合之一，是通过视觉生理和空间拼加获得所需色效的一种方法。色彩拼加混合是色彩光学和视觉的混合，其规律不同于颜色的调和。例如，紫色不一定只有红色和蓝色调合获得，还可以用极小的红点、蓝点密集地排列组成，在一定距离看，就会形成紫色。色相拼加和色光拼加后结果相同，明度为混合后色值的平均值，混色后不会降低其明度。用拼加法获取的色彩相对更跳跃和灵动，适合表现阳光下的通透感。通过这次转形，梵高之后的创作画面感开始色彩灵动起来，高纯度色彩绘画的效果视觉冲击力超强，吸引眼球，极具现代装饰艺术的特色美感。这种特殊色彩符号形式的手法运用到现代平面设计当中同样会产生不同凡响的明快装饰美。
在装饰色彩艺术中,色块的拼贴叠加是一项基本法则,也是尤为重要的表现方法。虽这项成果在现代装饰色彩世界里没有把这个方法归功于梵高先生,但在现代装饰色彩理论时机还未形成之前梵高已经这样开始着手实践了。梵高的色彩符号并非摒弃自然仰依纯粹的主观想象画出来的,而是面对生命自然再现动请他想要的色彩,用夸张、抽象、简化等方法,将自然中的色彩萃取出来,分配置于画面中,如《夜晚的咖啡馆室内一》中,梵高取用了超经典强烈对比色红色和绿色,目的是为了表现人类异己别样的激情,整个画面由深绿天花板，鲜红的墙壁，各种不同色调的绿色家具及高明度的柠檬黄地板组成。画中几乎各个物体的色块都做出了简约化处理,色彩极简,趋于单色,对比鲜明，使得画面找到色块拼加所产生的对比和谐，在现代平面设计领域也给色彩的审美价值提升了一个前无古人的高度。
梵高油画作品中笔法用线有一个共同特点：清晰围绕形体边缘，线条本身带动视觉通过笔触将光色进行分割,调色直接在画面中进行，保留用笔的轨迹和偶然笔触的使用，突出强调笔触轨迹视觉体现。
受点彩派和印象派画家映象，梵高酷爱纯色的点、线作画，通过高纯度色彩的拼加混合、短促笔触有序形体边缘密集排列，通过笔触分割光色画面直接调色，达到粗犷有序和动感并存的视觉效果。虽然受印象派束缚，但是梵高凭借新的技艺，照样能自如的表达自己强烈的情感。此手法可在现代平面设计领域中同样借鉴尝试，将会达到想象外的视觉效果。
梵高为更好的诠释客观物象带来的主观感受，通常爱将高纯度的颜料直接绘色在画布上，形成最原始的肌理轨迹，通过对形体刻画的持续深入，用叠加的手笔，颜料笔触形成了厚重的堆砌感，这种肌理给予我们的感知是一种可触动的厚重感，更是画家内心激烈情感的外化表现。这种视觉冲击力效果不仅在现代平面设计领域得到了推广好评，在产品、装饰、装潢等设计应用中也是好的视觉体现。
在梵高作品中，另一独特的笔触也传达出了画者丰富的内心世界，物体形体主观上的夸张、变形，卷曲的笔法将线条无底线的交织在一起形成旋涡般的效果，极具增强画面的动感和情绪的张力。我最爱的一幅梵高的《星月空》，卷曲的长线和破碎丹有序的短线，漩涡状的星空与平静的村落，仿佛燃烧般的柏树与横向的山脉，天空在构图上达到一种微妙的平衡。这种具有象征意义的旋涡成为了梵高独一无二的视觉符号语言，在现代平面设计中产生了巨大反响。
从插画艺术史的发展来说，美国是插画市场非常发达的国家，享受的插图在社会上已经成为一种习惯。其中有两个主要的原因，一方面，大量独立的插画在终端市场出售的产品，如插图书籍，杂志，插图贺卡；另一方面，插图的视觉是通信系统的一部分，广泛用于在平面广告，海报封面设计。美国插画市场非常专业，分为儿童类，数字、食品、体育、科幻，纯艺术风格类，幽默和其他类型的专业，每个人都有一个专门的插画艺术家。
好的设计作品给人的第一印象是比较生动有趣，形状的图案和颜色都比较协调，有强烈的美感和艺术性。一个好的插图设计，应该包含更多的有趣的设计元素，不仅仅是一个元素的产品信息或产品特性，其中包含有趣的艺术。你可以一目了然立即感受到插图本身最真的部分，和触摸共鸣。比如现在的插图艺术的配套产品，在社会上也很受欢迎，如手机壳，鼠标垫，卡通杯衍生产品的开发，也带来了广阔的市场。因此，插画艺术应具有有趣性的形式特征。设计本身就是一种需要，而不仅仅是装饰，装修。今天的插画，在现代生活中流行的设计元素上占据更多，人们越来越注重实用的插图设计。其性能要与华而不实的产品相比较，人们更愿意购买的产品有一定的使用价值。由以上特点分析来说，插画艺术应具有趣味性，通俗性，多元化，形象化等形式特征的艺术表现方式。
插画在文学插图中发挥着至关重要的作用。在文学作品中，如果载入人类心灵和情感的活动，文学既有现实的插图，也有装饰插图。那么，里面插图文学为主要特征，是孤傲的文学在千变万化，开放的艺术表现形式的重要成员组成的文学作品。插画在平面设计中应具有写实性手法和装饰性手法。作为一个例证，显示了很多的内容，一些插图，甚至具有不同的时间，和地点连接到一个插画，如此逼真的插图，一般喜欢使用蒙太奇的表现。现实主义文学插图艺术，在电影蒙太奇的表现手法道路上的发展，提供了更多的自由发挥的空间，甚至时间和空间的形式，和现实生活中是不一样的电影的时间和空间。
伴随着商业市场的不断成熟，插画市场涌入了大量的视觉文化信息，商务信息，尤其是在强调商业插画的应用是非常广泛的。按照不同的媒体商业插图，插画平面设计，插图，版式设计，包装设计，书籍装帧设计，海报设计，电脑游戏和网络媒体中的插图，被广泛应用于商业市场，引导和拉动内需，刺激消费群体，为商业插画的经济繁荣发展，提供必要的营养物质。现代艺术对商业插画，其影响是在快速发展经济和文化背景的前提下，一方面，战后经济的逐步复苏期间，每个国家都经历了重大的变化，对人民群众的生活水平的提高，对生活的前景，价值观，审美趣味都发生了很大的变化，另一方面，大众媒体，和流行文化的快速发展，也促使国内文化消费水平一天一天的提高。现代插画艺术的演变，从抽象的艺术，超现实主义，波普艺术，达达主义和其他形式的艺术，在艺术市场为商业插画带来了新鲜的设计灵感。
商业插画设计的性能特点，往往是在不同文化行业之间的合作。一种流行的插图，不仅成为了大量的印刷杂志发行宠儿，而且也可能被改编成动画片和电影电视节目。这个时代真正的态度是一个充满生机和短暂的发展阶段。作为一个商业插画，也是值得玩味的。商业插画的应用前景，越来越广泛，它在自然背景的图案符号，从书本上插入一直延伸到各种布局，户外海报，包装，以及尖端的时尚，今天的文化已经成为一个商业插画的明天。产品的包装设计是更广泛的插图。产品包装设计，包括标志，图形，文字三个要素。它具有双重的使命：一是介绍产品，二是树立品牌形象。最突出的特点是，它是在平面和立体设计之间。
古典诗歌意蕴丰富，充满了诗意的美感，表达着耐人寻味的思想和情感。总体而言，主要分为以下几种美感：
所谓诗歌的含蓄之美，就是要言尽而意不尽，在笔墨之外，感受题外之意。如元稹的《行宫》：白头宫女在，闲坐说玄宗，表面看似漫不经心，实际上，表达着作者对于白头宫女的同情和对盛衰的感叹，流露着凄凉、寂寥之感。这种轻描淡写和曲折比兴的诗句，往往增加了言外的意趣，而使表达的意象显得朦胧和多义，是诗歌充满了艺术魅力。
意境是我国古典诗歌美学的重要范畴，指的是创作者主观情感与客观物象征的交融而形成的一种意象体系。诗人通过主观感受，对客观物象进行改造和渲染，如感时花溅泪，恨别鸟惊心，使花流泪，鸟也惊心，表达自我的伤心断肠，从而达到了一种凄凉的意境。再如，海上生明月，天涯共此时，表现的是一种开阔的意境，体现了诗人的广阔心胸。意境对于表达美感和传递情感至关重要，好的意境使人如置其中，感同身受，产生共鸣。
诗歌的语言是最具有艺术张力的，使人拥有更大的想象空间，引人深思。诗歌之美，除了含蓄、意境、留白之美，还有虚实、动静、情趣等，这些诗歌特有的艺术特征在我国传统文化中熠熠生光，为现代平面设计提供着新思路和方法。
现代平面设计一般指的是运用电脑、手绘等方式将设计者要表达的思想、信息通过平面图形等方式表达出来。现代平面设计的种类很多，有海报、包装、平面广告、书籍设计、网页设计。现代平面设计具有和谐、对称、平衡、节奏等要求。但是Bsport体育，现代平面设计中，有很多缺乏文化内涵，艺术水平不高。随着社会的进步，人们审美水平的提高，设计者也认识到平面作品内涵的重要性，开始从中国传统文化中寻找养料。中国传统文化源远流长，古典诗歌以其鲜明的中国特色被设计者所重视。从本质上来讲，古典诗歌和现代平面设计是相通的，其目的都是为了表达情感和传递信息，现代设计的虚拟形、负空间、人性化，以及包装设计的意蕴生动、广告设计的隐晦含蓄和古典诗歌的艺术特征具有着内在的关联性。古典诗歌的含蓄、意境、留白等艺术表现方式也不由自主地被设计者运用到现代平面设计中，如清华美院的海报，图片呈现出的是莲蓬和明珠，用以表达教师和学生之间的关系，同时对教师和学生都给予了较高的评价，其中运用的就是古典诗歌中的含蓄的艺术表达方式，体现了作品的诗性思维，也给观者带来艺术享受和精神共鸣。
具体而言，现代平面设计诗意表达和应用有多种方式，其中比较典型方式的主要有以下几种：
我国传统古典诗歌艺术往往崇尚师法自然，从大自然中选材，通过提炼和加工，借物抒情、借景抒情，以达到情景交融的境界，如大漠孤烟直，长河落日圆，将大漠孤烟落日等意象入诗，表达诗人情感。平面设计中也不乏师法自然的现象，如无印良品的宣传海报，拍摄的是南美洲人迹罕见的天地相接的景象，传达出在自然界的包容和无限宽广，给人给诗意的美感。选取自然景物作为设计元素的作品比比皆是，是和谐的展现，与诗歌的表现方式一脉相承。
古典诗歌常常借助意境含蓄地传神达意，现代平面设计运用古典诗歌中意境表达的方式，可以起到意想不到的美感。如一副名为《生活》的宣传海报，画面中以书法为背景，右上角是几片树叶，形状茶叶，左边是一只茶碗，里面水中泡着几粒大料。文字是赞叹你妇幼气息的美，千倍的热情投入生活。这幅设计作品，表达含蓄，意蕴丰富，呈现出静之意境，又让几粒不合时宜的大料搅扰了静，使生活的状态不言自明，呼之欲出，使观者会心一笑，体会出自己生活的味道。这就是运用含蓄的表达手法设计出来的，颇有意味。
妙悟抒情是典型的诗性思维，诗的本质在于妙悟，设计的本质也莫不如此。妙悟是对创作对象和鉴赏对象的心领神会，是直观与感性的结合。首先是形的感悟，然后是情感体现，在最后是理性思考，思考艺术作品的意义和价值。不管是古典诗歌还是现代平面设计都离不开妙悟抒情，提升作品的艺术内涵和想象空间。如韩国设计师的《两人》，被称为最有禅意的作品，是直达人心感动人的作品。
古典诗歌中的含蓄、意境、留白、情趣、声色之美，无不在现代设计作品中得以体现，使作品呈现出了意蕴深厚、意境深远之感，诗意思维的运用和诗意色彩的表达，可以让作品远离喧嚣和浮躁，拥有直达人心的力量。
动态软件主要用来设计作品中的动态效果，主要有ImageReady与Flash软件。使用ImageReady软件，主要可以对Photoshop图像进行相应的优化处理，让其更加适合相关网页的设计，还可以利用ImageReady创建GIF动画及HTML文档。Flash软件是一种二维矢量的设计软件，主要可以用来设计特殊效果及改变页面相应的导航界面。
静态软件主要可以用来设计平面的静态效果，主要有Painter及Photoshop。Painter是平面设计师在进行数字绘画时的主要选择，这种软件是一种高级的仿天然画笔，在平面设计中的应用较为广泛，对于设计师的工作有很强的辅助作用。Photoshop是由Adobe公司推出的，主要用来进行图像处理，其主要功能包括了彩色图像处理、合成处理、尺寸大小处理等。Photoshop软件自身具有多种格式功能，设计师在使用Photoshop软件的时候，可以给自己的工作带了很大便利。
电脑设计软件具有很强的实用性和工具性，比传统模式的手绘方式要快很多，并且有着更高的准确度和精准度，所以，现代设计工作中离不开电脑设计软件。但是设计师在使用的过程中要注意的是，电脑设计软件虽然有自身的先进性，但是实施一个设计辅助工具，不管电脑设计软件功能多强大，都不会进行思考。因此，设计师最主要还是要提高自己的设计水平和设计意识，不要过分依赖电脑设计软件，这样才能设计出优秀的作品。
电脑设计软件主要的运行载体就是电脑，设计师使用电脑设计软件的时候，不再需要使用繁琐的工具，只需要一台电脑就可以完成相应设计。某平面设计师使用电脑设计软件进行工作，不再需要使用过去的喷枪、画笔等工具，还可以根据自身的设计需求，在电脑上自行利用软件制作设计工具。该设计师在工作中也不需要再使用颜料，利用软件就可以随意调色，而且电脑设计软件还有许多传统设计方法所没有的功能。比如将设计图稿进行任意旋转、按比例改变尺寸、设计镜像效果等。该设计师使用电脑设计软件，不仅提升了自身的工作效率，还丰富了设计手段，让设计方案变得更加多元化，质量也有较大提升。
电脑设计软件的设计速度较快，准确度也很高，可以设计出难度很高的方案，设计师利用电脑设计软件，可以得到形式多样的图案、图形，来丰富自己的设计理念，达到自己需要的设计目标。在传统的平面设计中，设计师在对设计方案进行修改的时候，原有的设计方案会出现很多修改痕迹，给设计师的设计工作带来一定难度。某设计师在平面设计工作中，使用电脑设计软件，在进行方案修改的过程中，原有的设计图上不会出现任何痕迹，还节省了修改时间，相应的设计效率得到了很大提高。该设计师原来一周才能完成的设计方案，现在利用电脑设计软件，一两天就可以完成，设计图案还具有很强的清晰度。该设计师在现在的工作中，还可以通过电脑设计软件获得多种不同的色彩搭配，为设计工作带来了更好的效果。
很多平面设计师有丰富的想象力和设计灵感，但是在以前的传统设计模式下，很难将其转化为真正的现实。电脑设计软件的运用，不仅提高了设计师的工作效率，还可以充分表达设计师的内在思想及设计灵感，从某个角度说，只要设计师有丰富的想象力，那么在电脑设计软件的辅助之下，就可以很好地完成平面设计。现代平面设计，需要将设计师的真实想法通过视觉元素来进行有效传达，在这种情况下，只有将平面设计与电脑设计原则进行结合，才能达到设计要求，设计师的想法才会被充分体现出来。
现代平面设计工作需要紧跟时展变化和社会潮流，优秀的平面设计师想要充分表达自己的设计灵感与真实想法，除了提升自己的设计水平和设计理念外，还要熟练运用电脑设计软件。电脑设计软件可以提高设计师的工作效率，优化设计过程，对平面设计工作有积极的促进作用。但是，设计师在具体工作中，也不能过于依赖设计软件，还要注重提升个人设计素养，这样才会更好地完成设计工作。
象征主义和法国立体主义是现有的风格派的主要创作风格。从风格派出现开始，很多的艺术家和建筑师就开始寻找新的创新原则。在创造的过程中，创作者首先对人类的思考和探索进行了搜集，以便寻找能够使这个现代性的艺术被人类接受的方式。长时间新的探索和新的寻找打破了艺术家们对于原始艺术和原有风格历史性质的传承。相反，风格派具有的是一种反历史的特征。风格派系的艺术家旨在寻找创作中的新事物，这种新事物是基于时代的精神所产生的。并且这种事物在逻辑上与创作者的灵魂相一致。艺术家们运用新的思维去打破传统的限制和现实中的束缚，寻找自由和解脱。
风格派的思想启蒙是一种现代工业化背景下的大同艺术。他们需要的是一种普遍意义上的美，真实的，广义上的美。在这种美的过程中，能够找寻精炼的和简化的艺术形式，是一种几何抽象中的真实。一种对于事物的本质上的抽取和对于非本质的现象的抛弃。在本质上，寻找宇宙万物“精神上的”存在。风格派寻找的是一种从自然中产生的形式、色彩和结构的美感。风格派以几何的形式寻找他们的创作理念，在创作的过程中摆脱了传统的装饰对于现有的设计的干扰，找到一种对于现代美感的阐释，这是一种脱离具象的修饰性元素。风格派的大部分思想其实是一种回归自然的真实写照，它从自然中寻找本质，又回归到自然中，使自然与创作建立桥梁。
荷兰的哲学主义是对于风格派影响较大的主义之一。他运用了传统的哲学所具有的严肃、清晰、逻辑的思维。杜斯博格是其中重要的代表之一。他运用了理想哲学的思维，呼吁理想主义的新结果的产生。在荷兰理想主义的影响下，他们寻找一种高度民主和高度社会化的工程设计。蒙德里安和列克寻找的是一种抽象化的宇宙观，在这种神秘的宇宙观下，首先是一种立体主义与艺术关系的紧密结合，然后是建立在此基础上的一种完全抽象化了的画面制造，在这中抽象化之后的主义中寻找到一种“纯粹的实在”。也就是事物的本质。舒恩梅克的柏拉图式哲学体系。他提出了实证神秘主义和积极神秘主义以及造型数学。他寻找的是线条之美。线条的美凝结在一种精神的象征之中，随着艺术语言和纯粹精神的沟通，精神的元素得到了最佳的表达。由此新造型主义逐渐成熟。
风格派以寻找自然的本质和寻找简单和谐之美为主要的目标。风格派的设计者寻找了能够反映自然中最真实的、最本质的事物。风格派的创作本质是一种脱离了具象的、事物的现象的一种本质性的表达。他寻找了一种设计上的世界性和普遍性的存在。在这种以不同风格为重要展示方式的今。